La composition pour les jeux vidéo fait appel à la tradition et à la technologie

Fruit de centaines d'années de tradition musicale et de récit liée à la technologie informatique, la musique de jeu vidéo est passée d'une curiosité technologique à une création vitale. La semaine prochaine à Melbourne, certains des meilleurs compositeurs de jeux vidéo du pays se réuniront à la conférence APRA AMCOS High Score pour discuter de l'état du secteur.

Comment le son des jeux vidéo est-il passé des bips sonores aux sons complexes en passant par des partitions complexes?

Une histoire racontée musicalement

Dans un sens, la musique de jeu vidéo est étroitement liée à la composition classique des bandes sonores de films, de l'opéra et du ballet – des partitions musicales créées pour accompagner et compléter une histoire racontée par d'autres moyens.

La musique de jeu vidéo suit souvent cette tradition. Il existe des mélodies musicales pour des personnages, des lieux, même des thèmes, qui reflètent ce que l’on appelle le leitmotiv dans des partitions d'opéra, de ballet ou de film. Wagner a donné à Siegfried une mélodie pour The Ring Cycle; John Williams donna une marche impériale à Dark Vador. et dans les jeux vidéo, nos héros et nos méchants acquièrent également leurs propres marques musicales.

Mais malgré toutes ses similitudes, la musique de jeu vidéo a toujours été une bête différente. La musique ne se limite pas aux images et aux récits, elle réagit également à l'action.

En effet, les joueurs ne se contentent pas de regarder les jeux vidéo. Ils effectuent également des actions: ils appuient sur des boutons, ils déplacent des personnages, ils prennent des décisions. À leur tour, les jeux vidéo réagissent en agissant sur le joueur, affichant des choix, fournissant des récompenses et les emportant. La musique doit exister dans le cadre de ce système délicat.

Rouler les dés

La réactivité change les rouages ​​du fonctionnement de la musique de jeux vidéo. Comment écrivez-vous une mélodie pour un menu de jeu qui pourrait être laissée à l'écran par un joueur pendant cinq secondes ou trois heures? Comment développez-vous un thème pour un personnage avec lequel certains joueurs pourraient passer des heures, alors que d'autres joueurs se précipiteront pour se rendre sur une autre scène? Comment fonctionne la musique de suspense si vous ne savez pas à quel point vos joueurs auront peur ou pendant combien de temps?

Peut-être que le premier exemple de musique réactive est né accidentellement. En 1978, le tempo musical du jeu d'arcade Space Invaders de Taito augmentait régulièrement à mesure que les joueurs entraient de plus en plus dans le jeu. Plus le joueur est abattu, plus la musique est jouée rapidement. Le fait que cela soit dû en partie à une bizarrerie matérielle du jeu (moins d’ennemis à l’écran signifie que le jeu fonctionne plus facilement) n’a pas pour effet de réduire son impact sur l’industrie du jeu vidéo.

Aujourd'hui, les choses peuvent être un peu plus compliquées. Pour mon propre travail sur le jeu Untitled Goose Game récemment publié, j'ai scindé un morceau de musique pour piano solo écrit par le compositeur Claude Debussy il y a plus d'un siècle en plusieurs centaines de deux à trois secondes. Ensuite, j'ai créé deux performances de chacune: une à haute énergie et une à basse énergie. Les développeurs du jeu ont utilisé cette musique pour concevoir un système qui permet au logiciel de choisir s'il lit ou non les performances énergétiques élevées ou faibles, voire le silence, à tout moment.

Le résultat donne l'impression qu'un pianiste est dans le coin de votre pièce et vous regarde jouer, comme un accompagnateur d'une salle de cinéma muette il y a cent ans. Mais c'est le résultat de beaucoup de code, de beaucoup de résolution de problèmes et de beaucoup de créativité. Ce type d’approche a plus en commun avec le avant-garde la musique d'un John Cage, ou une œuvre de Karlheinz Stockhausen, pionnier de la musique aléatoire, où certains éléments de la performance ont été laissés au hasard, tels que le roulement des dés.

La tradition rencontre la technologie

Cependant, il existe loin d'un modèle de musique de jeu vidéo et les quatre décennies qui se sont écoulées depuis Space Invaders ont vu une variété impossible non seulement d'approches techniques différentes mais de sons musicaux différents.

À eux seuls, les jeux vidéo fabriqués à Melbourne présentent du funk de The Bamboos for De Blob 2, une partition orchestrale jouée par l'orchestre symphonique de Melbourne pour Jurassic Park: Operation Genesis et une œuvre émouvante pour violoncelle et piano à Florence. Nous avons également une scène "chiptune" florissante, où les gens créent de la nouvelle musique à partir de samples via de vieilles consoles de jeux vidéo.

Dans le monde entier, le son du jeu vidéo est devenu une sorte de lingua franca pour plus d'une génération de joueurs. La musique de jeu vidéo est parfois vue à travers une brume nostalgique. Le réalisateur Edgar Wright a décrit la musique de Nintendo comme "la comptine d'une génération", tout en réalisant son film Scott Pilgrim vs The World.

En effet, il est difficile d'exagérer à quel point une grande partie de la musique de jeu vidéo est devenue partie intégrante de la vie des joueurs. Une simple recherche sur YouTube des versions de couverture de la musique de la franchise Zelda de Nintendo, par exemple, donne plus de six millions de résultats, avec les meilleures vidéos, notamment des vidéos de guitares, a capella chant, marimbas et même une performance musicale sur des verres à vin.

La musique de jeu vidéo est le son de l'une de nos formes culturelles contemporaines les plus populaires. Ancré dans l’histoire et la tradition, et activé par une technologie de pointe. Les compositeurs de jeux vidéo créent aujourd'hui des univers musicaux aimés de millions de personnes.

Cet article est republié de The Conversation sous une licence Creative Commons. Lire l'article original.