Le Record Store Day arrive une fois de plus, avec le deuxième atterrissage dans les magasins du monde entier pour donner aux passionnés de platines un accès à des vinyles exclusifs d’artistes anciens et nouveaux.
Les musiciens qui abandonnent des disques exclusifs incluent Alice Cooper, Daft Punk, Lewis Capaldi, Neneh Cherry, The Rolling Stones, The Doors, Tove Lo, Fleetwood Mac, The Ramones, et plus encore.
Tous ces nouveaux disques nous ont donné le temps de réfléchir aux albums essentiels que nous pensons que tout amateur de musique devrait écouter – que vous lisiez vos disques sur une platine vinyle à l’ancienne ou que vous diffusiez via Spotify sur vos écouteurs sans fil préférés.
Vous trouverez ci-dessous les meilleurs choix de tout le monde, des créateurs de goût de l’industrie de la musique aux esprits derrière certains des meilleurs haut-parleurs et écouteurs sans fil existants – et bien sûr, les albums bien-aimés de certains d’entre nous de l’équipe TechRadar.
Avant de demander « où est Ziggy Stardust / Pet Sounds / Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band / Straight Outta Compton? », Les albums de la liste ci-dessous ne sont qu’un petit aperçu de plus de 70 ans de sorties de musique pop emblématiques – et ils tous significatifs d’une certaine manière pour les contributeurs à cet article.
Alors, sans plus tarder, voici les albums incontournables que tout mélomane devrait écouter sans tarder:
Sommaire
AM, Arctic Monkeys (Domino, 2013)
Abbie McCarthy, présentatrice TV et radio
Mon album essentiel doit être AM par Arctic Monkeys parce que je pense que c’est un chef-d’œuvre du rock n roll moderne – c’est un disque que je ne me lasse pas d’écouter un peu.
Du début à la fin, AM met en lumière le génie et le lyrisme perspicace d’Alex Turner, associés à certains des riffs les plus grands et les plus accrocheurs de tous les temps. L’album est rempli de fanfaronnades et d’atmosphère, et il prend tout son sens lorsqu’il est joué en direct, les gars de Sheffield offrant des moments de festival meurtriers et des spectacles d’arène animés dans le cadre de la tournée qui a suivi.
Ce disque a changé la façon dont le monde voyait le groupe; cela montrait leur volonté d’expérimenter, incluait des influences plus diverses que jamais auparavant, et ouvrait vraiment leur son à un royaume plus rock, plus lourd et plus sexy – et de manière excitante, cela signifiait qu’ils pouvaient aller dans n’importe quelle direction musicale après sa sortie.
Faire des miroirs, Gotye (Eleven, 2011)
Greg McAllister, Sound Experience Manager chez Sonos
En tant qu’écoute essentielle pour un fan de musique, je recommanderais Making Mirrors, de Gotye. En plus de la chanson la plus connue de Gotye, Somebody That I Used To Know, Making Mirrors propose des morceaux qui couvrent un mélange éclectique de genres musicaux, de la soul au rock progressif en passant par l’électronique.
L’album, créé presque entièrement dans la grange de ses parents avec un décalage d’instruments et d’équipements qu’il avait rassemblés au fil des années, témoigne du fait que la créativité ne se limite pas aux grands studios et aux équipements coûteux.
Ce que j’apprécie le plus dans cet album, c’est la texture sonore complexe que Gotye crée dans ses chansons en superposant et en imbriquant de nombreux sons individuels et éléments musicaux. Il est extrêmement difficile de bien faire cela, et de ne pas laisser les sons individuels se battre pour l’espace ou de ne pas se sentir accablant dans son ensemble.
State Of The Art en est un excellent exemple, les sons et les rythmes électroniques se combinant et se complétant de la bonne manière. L’album présente également l’incroyable voix de Gotye, qui est tout aussi bien adaptée au ton calme et introspectif de Giving Me A Chance qu’à la mélancolie de I Feel Better.
Un autre monde vert, Brian Eno (Île, 1975)
Simon Lucas, journaliste audio indépendant
Il y avait, brièvement, un point idéal entre le personnage de Roxy Music, le «corrupteur électronique des chansons pop supérieures» de Brian Eno, et le «sculpteur auditif à tête d’oeuf et manipulateur sonore» de son personnage tout aussi acclamé de «musique ambiante». Sur un autre monde vert de 1975 il adopte les deux positions complètement distinctes, et le résultat est un disque qui, honnêtement, ne ressemble à aucun autre.
Si vous voulez des chansons pop, des exercices de couplet / refrain / couplet supérieurs dans de jolis changements d’accords et des mélodies légèrement bancales, Another Green World les a. Si vous voulez des aventures insidieuses, presque subliminales dans le son comme la couleur ou la texture, eh bien, Another Green World les a aussi.
C’est un disque qui se déroule à un rythme généralement assez tranquille, et qui peut au premier abord donner l’impression qu’il ne se passe pas grand-chose – mais il se révèle progressivement, parvenant à loger des phrases et des mélodies dans la tête de l’auditeur qu’il n’avait peut-être pas consciemment conscient. d’abord.
Parmi les « instruments », Eno prétend se déployer sur Another Green World sont des guitares «du désert», des «sons non naturels», un piano «incertain» et une «bande». Bien avant la fin de l’album, ces descriptions semblent tout à fait valables et raisonnables.
Ys, Joanna Newsom (Drag City, 2006)
Olivia Tambini, rédactrice audio et musicale chez TechRadar
Choisir un seul disque essentiel que tout le monde devrait écouter est une tâche difficile, mais Ys de Joanna Newsom me reste à l’esprit comme un exemple magistral de l’album en tant que corpus narratif. La combinaison du style vocal décalé de Newsom et de son jeu de harpe complexe souligne un vaste paysage sonore imaginatif qui évoque le paysage vallonné de la prairie américaine, avec de larges arrangements orchestraux et des accents d’accordéon folkloriques.
Tout au long de sa durée de 55 minutes, Ys parcourt une introspection discrètement dévastatrice et de vastes paysages sonores en succession rapide, avec des paroles qui rappellent des passés mythiques imaginaires, une Americana kitsch et les personnes qui ont touché la vie de Newsom l’année précédant l’enregistrement de l’album.
Vous pouvez faire des comparaisons avec d’autres artistes; L’écriture narrative de Newsom rappelle Joni Mitchell, tandis que son style vocal affecté pourrait vous rappeler des gens comme Bjork – mais il n’y a vraiment pas d’album comme Ys, et pour cette raison, je pense que c’est une écoute essentielle pour tout amateur de musique.
Le mur, Pink Floyd (Harvest, 1979)
Becky Roberts, rédactrice en chef de What Hi-Fi?
The Wall – et tous les autres albums de Pink Floyd qui ne sont pas Dark Side – se trouveront toujours un peu dans l’ombre du chef-d’œuvre légendaire du groupe, mais ceux qui ont une place pour un deuxième album de Floyd dans leur collection feraient bien de le remplir avec ce double-album au concept inégalé.
L’opéra rock ambitieux et saisissant de Roger Waters est un classique Floyd – maniaque, imaginatif et expérimental. Et bien que, contrairement à tous les autres albums de Floyd, les pochettes en vinyle ne vous aideront pas à faire un achat – après tout, sa maçonnerie austère est relativement minimaliste (la rupture de Waters avec son collaborateur de longue date Storm Thorgerson a abouti à la première couverture. sans la contribution de sa société de conception graphique) – son récit sombre sur le thème de la rock star torturée et son exécution puissamment théâtrale le seront certainement.
Moi, Jonathan, Jonathan Richman (Rounder Records, 1992)
Alex Bender, directeur marketing chez Cambridge Audio
Mon choix pour un disque essentiel que tout le monde devrait avoir dans sa collection de vinyles est l’album de 1992 charmant, drôle, étrange, honnête et sincère de Jonathan Richman, «I, Jonathan». Il vient de sortir en vinyle pour la première fois en août 2020 par Craft Recordings.
L’amour, la nostalgie, l’innocence et l’optimisme de Richman sont si authentiques qu’il est difficile de ne pas tomber amoureux de cet album – il ressent le sentiment de connexion humaine que très peu d’artistes sont capables de faire. En seulement 38 minutes d’écoute, vous aurez envie de retrouver tous les amis avec lesquels vous avez perdu le contact au fil des ans, de sortir et d’acheter chaque bootleg Velvet Underground pour apprécier la musique de la même manière que lui et commencer une soirée dansante au milieu de la rue avec un groupe de parfaits inconnus. Mettez cet album sur votre platine vinyle et vous vous sentirez instantanément bien, et un peu moins seul.
Et sur vinyle, ces voix riches, ces strums de guitare complexes et ces claquements de mains nets sont livrés avec plus de chaleur et d’immédiateté. C’est un excellent enregistrement pour tester les détails et la dynamique de votre système à base de vinyle, et devrait vous transporter dans la même pièce que le groupe.
Bleu, Joni Mitchell (Reprise Records, 1971)
Gerald Lynch, rédacteur en chef chez TechRadar
Joni Mitchell n’a peut-être pas nécessairement inventé l’album confessionnel, mais elle l’a certainement défini avec Blue de 1971.
Une tapisserie de guitares et de voix vives qui démentent sa nature souvent triste, c’est un regard perçant sur les relations de Mitchell de l’époque. Utilisant des accords de guitare alternatifs et des arrangements de composition complexes, il donne le ton à l’œuvre plus expérimentale de Mitchell, au-delà de ses racines folkloriques, à venir.
À l’approche de son 50e (cinquantième!) anniversaire, il reste une réflexion aussi touchante et intime que jamais sur l’amour et la perte – comme si un ami entrait sous la pluie au milieu de la nuit et ouvrait son cœur à vous et à vous seuls.
L’appel de Londres, le choc
Andy Kerr, directeur du marketing produit et des communications chez Bowers & Wilkins
Je suis tombé amoureux de la musique dans les années 1970. OK, donc je ne suis pas si vieux: je viens de commencer jeune. J’achetais des singles assez régulièrement dès l’âge de huit ans et à l’âge de neuf ans, j’ai fait le saut dans le format LP avec mon premier album et ma recommandation ici: London Calling, de The Clash.
C’est toujours mon album préféré aujourd’hui, et pas seulement à cause d’une nostalgie mal placée. London Calling est un disque plein de feu, de fureur, d’énergie et d’ambition; il marque le point de basculement lorsque The Clash est passé du statut de simple groupe punk – bien qu’un très bon – dans sans doute le meilleur groupe de rock de leur époque.
Alors que leurs contemporains avaient tendance à s’en tenir au style de montée d’adrénaline de héros de trois minutes qui caractérisait tant le punk et les débuts de la New Wave, The Clash a eu le courage de sortir un double album contenant pas moins de 19 chansons. Et pas seulement cela: ils ont été assez courageux pour en faire un peu expérimental.
Aux côtés de la mélancolie tendue de London Calling et du rock absolu de Death Or Glory, il y a ici toute une panoplie d’inventions, dont le ska de Wrong’Em Boyo et le reggae de The Guns Of Brixton ou Rudie Can’t Fail.
Comme si ces meilleurs morceaux et l’attitude hérissée du groupe ne suffisaient pas, l’écriture de la chanson était imprégnée d’une touche intelligente qui faisait vraiment ressortir chaque chanson, même dans l’atmosphère politiquement chargée de l’époque. J’arrivais à The Specials à peu près au même moment et comme eux, The Clash semblait être capable de mélanger de manière experte des commentaires sociaux satiriques acérés avec de la bonne musique sanglante.
J’ai toujours mon disque original, mais c’est une capsule temporelle précieuse pour moi maintenant, donc, pour le conserver aussi longtemps que possible, j’ai récemment acheté le disque remasterisé de 180g à l’un de mes labels préférés, We Are Vinyl. Je ne saurais trop le recommander.
Boxer, The National (Banquet des mendiants, 2007)
James Peckham, éditeur de téléphones chez TechRadar
Tout le monde a besoin d’un disque dans sa collection qui puisse les faire pleurer, et The National’s Boxer est mon premier choix pour cela.
Boxer est le quatrième album studio de The National et le véritable disque révolutionnaire du groupe. La musique varie des cornes de Fake Empire à la lente construction de Start a War, vous emmenant dans un voyage que de nombreux autres albums ne sont pas capables de faire.
C’est l’album indie rock par excellence qui résume le meilleur côté du genre des années 2000.
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